Momentos desde la orilla de la vida, la fotografía de Tamara Dean
Para la mayoría, la vida es un mar de dudas que resolvemos con cada una de la brazadas que damos para avanzar sobre aguas que a veces están mansas y otras se tornan violentas y agitadas.
Pero todo mar encuentra su finitud en tierra firme, en las orillas en las que nos sentamos a contemplarlo y a reflexionar sobre nuestras próximas rutas de navegación.
Ese es el proceso vital que captura Tamara Dean en su prodigiosa lente plasmado desde su álbum fotográfico de la fotografía de Tamara Dean
Esta fotógrafa australiana, confiesa que desde que tiene memoria he anhelado estar en la naturaleza y añade que cuando entra en un bosque siente que ha vuelto a casa. Su profundo amor por la naturaleza
da forma a su vida y a su práctica artística que plasma en esta serie de fotografías en las que congela momentos de individuos en diálogo con la naturaleza y consigo mismos.
Esta artista multidisciplinar, no solo ha materializado sus anhelos y sus filias en poderosas imágenes, también ha creado experiencias sensoriales tangibles alrededor de sus obras, como en la instalación
Stream of Consciousness’ o la instalación ‘Here and Now’.
Tamara Dean dice sobre sí misma:
“Desde que tengo memoria he anhelado estar en la naturaleza. Cuando entro en un bosque, siento que he vuelto a casa. Este profundo amor por la naturaleza informa mi vida y mi práctica artística.
Soy un artista australiano que trabaja en los campos de la fotografía y la instalación. Mi trabajo explora la relación entre los humanos y el mundo natural. Junto con mis impresiones fotográficas
bidimensionales, más recientemente he estado creando experiencias sensoriales tangibles en torno a mis obras, como en mi instalación de la Bienal de Arte Australiano de Adelaide 2018 ‘Stream of
Consciousness’ y la instalación de UNSW de 2016 ‘Here-and-Now’. Ambas instalaciones multisensoriales, estas obras son desarrollos conceptuales emocionantes en mi práctica y reflejan los campos
emergentes y en expansión de la fotografía contemporánea. Profundizo en los ritos informales de paso y las experiencias que las personas buscan en la naturaleza y creo obras cargadas simbólicamente
que tienen como objetivo tender un puente sobre la separación que nosotros, como humanos, creamos entre nosotros y la naturaleza.
Fotografía de moda de Evgenia Kayumova encapsulan
la belleza.
Nacida en Moscú, Rusia, Evgenia Kayumova instiga emociones matizadas a través de una combinación de retratos y fotografía de moda. Sus fotos de tonos soñadores comunican una sensación
de calma y aislamiento, en la que la iluminación delicada, las composiciones inmaculadas y los fondos naturales ocupan un lugar central.
Al observar el mundo que la rodeaba, Kayumova entró en su propia obra fotográfica hace unos siete años, convirtiendo poco a poco lo que era un pasatiempo en una profesión de éxito. Como muchos en su campo,
Kayumova tiene una imagen que la distingue y que deja una impresión duradera. La fotógrafa que ahora vive en Krasnodar sigue estallidos espontáneos de inspiración, pero cita la naturaleza y el minimalismo como
sus principales recursos, los cuales la han ayudado a desarrollar su lenguaje visual etéreo y su ojo único para los detalles. A través de sus imágenes, se explora un sentido palpable de identidad femenina a través del
esplendor de la naturaleza. Bellamente iluminada y con estilo, sus fotografías de mujeres en paisajes naturales evocan un sentimiento de otro mundo, así como una búsqueda incesante de escapismo y paz.
A continuación se encuentra una muestra curada del arte de Kayumova a través de su álbum fotográfico.
Balance de blancos en fotografía, equilibrio de imagen.
El balance de blancos (White balance o WB) es la forma que tenemos de equilibrar una imagen en cuanto a la dominante de color. Lo ideal es que esta dominante sea neutra,
es decir, blanca, lo que en la vida real equivale aproximadamente a la luz de las horas centrales del día o a la luz del flash, que también se considera neutra.
Cada tipo de luz y cada momento del día, aunque no siempre sea evidente a primera vista, tiene una dominante de color, lo que también conocemos como temperatura de color. La temperatura de color
se mide en grados kelvin, y se clasifican en temperaturas más cálidas (atardeceres, por ejemplo), temperaturas más frías (días nublados) o neutras (ya hemos comentado que son las horas intermedias del día).
si tienes una escena demasiado cálida, habrá que añadirle un poco de frío y, si en cambio, tienes una imagen demasiado fría, deberás añadirle algo de calor. Así de sencillo. Y esto es lo que hace el balance de blancos automático de tu cámara.
Ahora me preguntarás «¿Y cómo sé qué tono va a ser predominante para poderlo corregir?» La respuesta es fácil: Puedes dejar que la propia cámara se encargue de detectar que un cierto color está dominando la foto excesivamente y que ella misma se encargue de contraatacarlo. Si quieres que la cámara gestione esta tarea por ti, entra en el ajuste de Balance de Blancos y elige la opción de «Balance de Blancos Automático» (también conocido como «AWB»).
Como las máquinas no son perfectas, a veces la cámara no es capaz de detectar un cierto exceso de tonos y, por consiguiente, no lo puede corregir. Ahí entras tú (eres el fotógrafo ¿lo olvidabas?) Básicamente vas a hacer lo siguiente: vas a disparar un foto de prueba y la vas a mirar detenidamente, si la encuentras correcta y neutra genial, pero si ves un cierto exceso hacia un lado en tonos azules o hacia el otro en tonos rojos, tendrás que seleccionar manualmente uno de los distintos modos semiautomáticos de Balances de Blancos que tu cámara pone a tu disposición. A continuación, te adjunto un pequeño gráfico en el que te explico qué Balance de Blancos escoger en función del tono excesivo que quieras remediar:
uto (A): La cámara ajusta automáticamente el balance de blancos según la luz ambiental y el uso del flash (si lo hubiera). Más abajo te cuento cuándo utilizar el modo automático pero siempre que fotografíes en formato RAW, úsalo sin miedo. En este caso tenemos AWB que es automático con prioridad a la luz ambiente, y AWBW que es prioridad al blanco y reduce el matiz cálido de una luz ambiente). Pero en la mayoría de las cámaras estará AWB solamente.
Luz de día (sol): Útil al fotografiar en exteriores con el sol brillando.
Sombra (casa con sombra): Es algo más cálido que el nublado, agregando colores naranjas a la fotografía. Adecuado para atardeceres y amaneceres y zonas en sombra.
Nublado (nube): Aconsejable en días nublados o en sombras. Produce imágenes algo más cálidas que la luz del sol.
Incandescente o tungsteno (bombilla): Úsala únicamente con luz de bombillas de tungsteno o la imagen se verá muy azul.
Fluorescente (tubo incandescente): Actívalo si las fotos se ven demasiado verdes o cuando estés bajo luces fluorescentes (las típicas de oficinas).
Flash (rayo): Se utiliza cuando se usa el flash de la cámara.
Preestablecido o personalizado (PRE) o el último icono de la imagen de arriba: Se ajusta para una iluminación concreta, se suele usar una tarjeta o carta de grises. Pero también puedes usar un folio blanco.
Algunas cámaras cuentan con la opción Elegir temperatura de color (K), que permite cambiar manualmente el valor Kelvin (normalmente de 2500 a 10000).
Aunque si quieres profundizar un poco y que te presente al amigo Kelvin que aparece en la tabla de arriba, aquí tienes el listado de las luces más habituales con sus respectivas temperaturas de color. Los valores más bajos (por ejemplo, 1700) se corresponden a las luces más cálidas, y los valores más altos a las más frías. La K es de Kelvin, sí ?
1700 K: Luz de una cerilla
1850 K: Luz de vela
2700–3300 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica convencional)
3000 K: tungsteno (con lámpara halógena)
4000–4500 K: Lámpara de vapor de mercurio
5000 K: Luz Fluorescente (aproximado)
5500–6000 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado)
5780 K: Temperatura de color de la luz del sol pura
Fotografías eróticas absurdas de Giuseppe Palmisano
El fotógrafo Giuseppe Palmisano, con sede en Bolonia, crea imágenes eróticas absurdas combinando cuerpos con muebles. Al hacerlo, está más interesado en cubrir la presencia del cuerpo humano que en retratar los estándares convencionales de belleza. Su talento para la improvisación y la inspiración proviene de su profesión anterior como actor. El fotógrafo de 25 años dice sobre su trabajo: “Si tienes algo que expresar, hazlo, sea lo que sea que eso signifique y cualquier tipo de expresión que vayas a usar. No es realmente importante si disparas, pintas o actúas
combina la experiencia teatral con la investigación fotográfica, dando vida a performances y obras colectivas de gran impacto y gran sentido estético. Inició su carrera como actor y clown para llegar a la investigación fotográfica. En 2015 publica su primer libro “Oltrepensare”. En 2017 hizo “Vuoto” una obra de arte en la que participaron 150 mujeres. En 2019 vendió su identidad artística como “iosonopipo” en una subasta en eBay.
Los artistas australianos multidisciplinarios Honey Long y Prue Stent
Los artistas australianos multidisciplinarios Honey Long y Prue Stent crean un trabajo que se centra en la feminidad en todas sus formas. En ‘Phanta Firma’, proyectan formas femeninas en poses clásicas, abstrayéndolas con material y color a medida que se mezclan con su entorno. Creando un album fotográfico increíble.
Basándose en la cultura contemporánea y la historia del arte, Long y Stent han creado escenas donde las mujeres adoptan poses en la naturaleza de acuerdo con las tradiciones de la estética clásica. Pero donde la Venus de Botticelli tiene solo una parte de su cuerpo cubierta por tela, en ‘Phanta Firma’ cada mujer está envuelta en un material que se adhiere a su cuerpo, cubriendo su rostro, ondeando a su alrededor con el viento o arrastrándola hacia la humedad del agua que la rodea. Aunque Long y Stent afirman que a estas mujeres se les otorga agencia a través de su ubicación, en muchas imágenes parece casi lo contrario. ¿Por qué no se les permite ver a estas mujeres? ¿Por qué están siendo arrastrados a la tierra? Las escenas que la pareja ha creado son a la vez hermosas y perturbadoras: las mujeres se fusionan con su entorno natural, desapareciendo de la vista. Paradójicamente, los artistas escriben que sus musas disfrutan de su autonomía, sus poses representan una sensación de estar “en control” y “seguros de sí mismos”. Ambas interpretaciones son posiblemente ciertas, la práctica de Long y Stent —como señala su biografía conjunta— “se centra en su relación conflictiva con la feminidad y sus asociaciones pasivas”.
La vibrante fotografía de Zhong Lin captura las sutilezas de la vida
La vibrante fotografía de La fotógrafa malayo-china Zhong Lin ha compartido con IGNANT una selección de sus imágenes cinematográficas del ‘Proyecto 365’, un esfuerzo creativo personal mediante el cual pretende tomar una fotografía todos los días durante un año.
Lin comenzó su carrera experimentando con películas. Sus trabajos ahora se han exhibido en publicaciones como British Vogue, Harper’s Bazaar, ELLE, W Korea y L’Officiel., Entre otros. Cuando no está en el set filmando editoriales o campañas de moda, Lin viaja para tomar retratos personales e imágenes de estilo de vida.
Su impresionante portafolio es una celebración de la fotografía de moda , sin embargo, este no es su único punto focal; también le encanta documentar las sutilezas de la vida cotidiana, ya que siempre hay vida detrás de la lente y capturar la experiencia es una forma de recordar. “Con esto, mi objetivo principal es fotografiar los momentos que ocurren entre tomas”, dice. La fotógrafa con sede en Taiwán se encontró en casa durante largos períodos durante el encierro, por lo que el ‘ Proyecto 365′ fue una forma de redescubrir lo que significa comenzar de nuevo artísticamente desde la nada. “Sin límites, sin fronteras y sin definición”, dice ella.
Los retratos Surrealistas de Aida Muluneh Retratos
Fotógrafa y artista contemporánea etíope Aida Mulunehha vivido por todo el mundo antes de regresar a su tierra natal donde encontró inspiración para su arte. Los retratos surrealistas muestran diferentes temas sobre la vida, el amor y la historia. Muluneh dice que su intención con el arte es hacer preguntas provocativas sobre nuestra vida, la gente y las diferentes naciones. Incluso algunas de las imágenes son como un diario personal, dijo Muluneh sobre su serie de retratos vívidos, casi surrealistas.
Muluneh describe su arte como un intento simbólico de profundizar en las muchas capas de su cultura diaspórica única y multifacética y nuestras ideas sobre cómo vivimos como personas, como naciones y como seres. El trabajo de Muluneh sobre pintura corporal está inspirado en el arte corporal tradicional del continente africano. Cada imagen es un reflejo de las manifestaciones conscientes y subconscientes del tiempo y el espacio.
“Mi trabajo a menudo comienza con un boceto y me acerco a cada imagen como una producción cinematográfica en la que el personaje, el diseño del escenario, la iluminación y el estilo se unen”, dijo en una entrevista por correo electrónico. “Utilizo la pintura facial como una forma en la que la inspiración es impulsada por la ornamentación corporal, no solo en mi país, sino también en varias partes del mundo. Estoy profundamente influenciado por varias culturas tradicionales, por lo tanto, en cierto sentido, estoy trayendo el del pasado al futuro a través de diversas formas “
Chrissie White descubre su propia identidad detrás de la cámara
Chrissie White es una fotógrafa editorial y de bellas artes que encuentra inspiración en varios modos en los que interpretamos la realidad. Desde muy joven,
Chrissie ha utilizado la fotografía con el deseo de escapar del mundo real para explorar su propia identidad detrás de la cámara.
Además sus fotografías se caracterizan por colores llamativos, historias caprichosas y la naturaleza salvaje que permite al espectador sumergirse profundamente
en visiones de un mundo surrealista y vibrante. Viviendo en Seattle y Washington, a Chrissie le gusta explorar nuevos temas para sus proyectos en la carretera,
inspirándose en un cielo estrellado o una factura de luz.
Por otra parte para su proyecto titulado “Despertar el espíritu”, la fotógrafa experimentando mientras acampa en el desierto,
capturando cuerpos desnudos con una larga exposición tomados de noche.
Si bien Chrissie solía trabajar con temas como sus sueños personales, ahora se ocupa del espíritu humano dentro de la naturaleza y cómo pasar tiempo al aire libre en la naturaleza puede generar sentimientos positivos y saludables. Chrissie divide su tiempo entre vivir en Seattle, Washington y explorar un campo abierto. Porque ella prefiere un cielo estrellado, una factura de electricidad.
La ‘etapa del espejo’ diseñadora de moda londinense Leonie Barth
La diseñadora de moda londinense Leonie Barth trabaja para crear ropa y accesorios para mujer. ademas fue diseñado con la ciencia humana como inspiración, centrándose en la teoría de Jacques Lacan de la etapa del espejo.
Más sin embargo Lacan reconoció la importancia de los espejos en la creación de la autoconciencia, y Leonie traduce su teoría en expresiones hechas posibles a través de la ropa
Además, utilizando espejos en sus diseños para reflejar físicamente las ilusiones simétricas de los elementos ‘divididos en dos’ de la colección, Leonie representa la idea de Lacan de que nuestra imagen de espejo completa nuestra identidad.
Por otra parte el diseñador también implementa la teoría del color para conceptualizar el escenario del espejo, tomando violeta azulado oscuro y amarillo lúcido, que se mezclan con el gris presente, un color clave used en la colección para simbolizar la superficie pulida de un espejo.
Más sin embargo el uso que hace Barth de los tejidos holográficos también tiene en cuenta la raíz griega holos, que significa todo: la noción de totalidad y finalización es significativa para la etapa del espejo.
Por otra parte el diseñador explica: “La ropa se desarrolla a partir del reflejo de su propia imagen. Las partes faltantes se agregan y las partes existentes se reflejan para crear una integridad “
