La ansiedad visibilizada en fotografías de Steph Wilson
La ansiedad visibilizada en fotografías de Steph Wilson
La fotógrafa británica cuenta de su misión de alejar a la gente del pensamiento perezoso y de la fortaleza de sus compañeras artistas de la fotografía y nos comparte La ansiedad visibilizada en fotografías.
Además los problemas mentales como la ansiedad y la depresión a menudo son ignorados por ser enfermedades que no siempre presentan manifestaciones físicas visibles. Más sin embargo, es importante recalcar que el hecho de no poder verlas no las hace menos reales y que desecharlas aumenta el aislamiento de aquellas personas que las sufren. Casi todos los afectados han oído o sentido que aquellos que deberían cuidar de su salud pensaban “desde fuera se le ve bien”.
Por otra parte Steph Wilson detesta hablar de sí misma. Y sin embargo, en lo referente a su trabajo, se da cuenta de que siempre está tratando de incluir elementos de sí misma dentro del marco de éste.
La fotógrafa Steph Wilson sufrió de ansiedad desde los 11 a los 22 años. Sus descripciones, literales y simbólicas, de la ansiedad y de los mecanismos que desarrolló para afrontar y moderar sus síntomas durante los años que la sufrió, logran expresar externamente lo que ocurría en su interior.
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Ben Zank, el gran fotógrafo que nunca da la cara
Ben Zank, el gran fotógrafo que nunca da la cara
El artista consigue emocionar con sus autorretratos sin necesidad de enseñar su rostro evitando distraer la atención sobre el resto de elementos. Además el fotógrafo neoyorkino Ben Zank, tiene ojo para lo inusual. Más sin embargo sus historias divertidas, incómodos inconvenientes y, a menudo, la lucha de la vida misma se expresan a través de su fotografía surrealista y bizarra del el gran fotógrafo que nunca da la cara
Ben Zank comenzó a hacer fotos con tan solo 18 años por puro placer. Fue el descubrimiento de una Pentax ME Super en el ático de su abuela lo que provocó que comenzara con esta afición. Desde entonces ha conseguido posicionarse entre el listado de nombres más importantes de fotógrafos surrealistas.
En sus fotos Ben acostumbra a desafiar al espectador (autorretratos en su mayoría) con juegos dramáticos y trampantojos. El artista afirma que su mayor logro es hacer que una escena pequeña con un entorno apropiado parezca mucho más grande de lo que es.Otro de los recursos habituales de Zank son las líneas y el aparente riesgo que acostumbra a contrarrestar con un toque de humor.
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El gran fotógrafo a color de los años cincuenta Saul Leiter
El gran fotógrafo a color de los años cincuenta Saul Leiter
Su carrera fue claramente influenciada por la pintura, otra de sus pasiones en la que también destacó
y le hizo amar la fotografía en color. Más sin embargo su trabajo fue desarrollado a mediados del Siglo XX
pero sin duda estamos ante una obra temporal que ha viajado en el tiempo hasta nuestros días convirtiéndose en
un referente dentro del modernismo y el arte contemporáneo como el gran fotógrafo a color.
El primer procedimiento fotográfico en color disponible en el mercado, el Autochrome (Autocromo),
fue introducido en los Estados Unidos en 1907, Alfred Stieglitz y George Seeley pronto comenzaron a experimentar con él,
pero no fue hasta la década de los cincuenta que la fotografía en color comenzó a desarrollarse como soporte artístico,
en la obra de Ernst Haas, Helen Levitt, entre otros. Esta fue la generación de Saul Leiter, que fotografió
las calles de Nueva York durante seis décadas.
Saul Leiter (1923-2013) fue quizá el más interesante de los fotógrafos en color de los años cincuenta por su uso de las formas.
Su cromatismo audaz, la composición descentrada, y el uso frecuente del encuadre vertical, atrajeron la atención.
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Nostálgicas fotografías de la vieja Navidad en Nueva York
Nostálgicas fotografías de la vieja Navidad en Nueva York
Ese inevitable ese sentimiento que produce la nostalgia de los viejos recuerdos y poder experimentar la melancolía que da recordar
tiempos pasados que no fueron los nuestros al mirar estas nostálgicas fotografías.
Además la maravillosa empatía que nos hace ponernos en el lugar de los demás o, quizás, simplemente sea porque un escenario
nos es familiar o una situación nos resulta cercana. Más sin embargo en estas fotografías que encontré de 1910 se dan
todos esos factores porque, en ellas se capturan a una serie de personas con las que conectamos mientras se
desenvuelven en un escenario tan reconocible como lo es Nueva York y en una situación tan cotidiana como las compras navideñas.
Y es que, la Navidad, nos guste más o menos, juega con nuestros recuerdos y nuestra memoria más vulnerable,
escarba en la felicidad y la inocencia de esa etapa mágica que fue la infancia y apela a sentimientos que
jamás volveremos a vivir tan intensamente.Cercanos a esta época de felicidad impostada a base de luces en la calle y publicidad
repleta de gente llena de buenos sentimientos, reconozcamos que Nueva York siempre ha sido un referente.
Todos podemos recurrir a imágenes como la pista de hielo de Central Park, el Año Nuevo en Times Square o los escaparates de Fifth Avenue.
No fue muy diferente en 1910, año en el que la mayoría de estas fotos fueron tomadas para la Agencia George Bain,
una de las primeras agencias de noticias de Estados Unidos. Las fotografías que Bain produjo y reunió para su
distribución a través de su servicio de noticias, tenían cobertura mundial, pero eran especialmente populares entre
los habitantes de la ciudad de Nueva York y, viéndolas, entendemos el porqué.
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La estética y armónica visión fotográfica de María Svarbova
La estética y armónica visión fotográfica de María Svarbova
Es elegante, minimalista, ordenada, repetitiva, armónica. Si el pop se ha inclinado en los últimos tiempos por los tonos pastel, la fotógrafa ha arrastrado hacia la estética y armónica visión fotográfica coloreando muchos espacios construidos en esa época como las piscinas y otros establecimientos públicos.
El estilo distintivo de María se aparta del retrato tradicional y se centra en la experimentación con el espacio, el color y la atmósfera. Tomando interés en la arquitectura y los espacios públicos de la era socialista, Maria transforma cada escena con una frescura moderna que resalta la profundidad y el alcance de su paleta creativa. El cuerpo humano en toda su obra es más o menos una idea periférica, a menudo retratada como distante y recatada en lugar de sustantiva. Las figuras cuidadosamente compuestas crean escenas temáticas de ensueño con objetos ordinarios. Sus imágenes mantienen una tensión silenciosa que insinúa las posibilidades emergentes bajo la inclinación de superficies limpias y lisas.
Por eso mismo la combinación fascina y se vuelve de mis favoritas. Además Svarbova logra que sus composiciones sean casi cinematográficas y lleva la percepción estética más allá de los colores.
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Cuando el color sobra, gran fotógrafo blanco y negro Munem Wasif.
Cuando el color sobra, gran fotógrafo blanco y negro
Munem Wasif.
Munem Wasif es un fotógrafo de Bangladés que se ha especializado en imágenes de blanco y negro. Su trabajo fotográfico se centra en reflejar cuestiones políticas y geográficas complejas, que no son conocidas por muchos. A través de sus fotografías, muestra las tradiciones y costumbres de lugares donde la pobreza habita cada día.
Habiendo crecido en el pequeño pueblo de Comilla, el sueño de Munem Wasif fue cambiar de piloto a jugador de cricket y luego fotógrafo. Pero ninguna de estas elecciones hizo feliz a su padre. Más tarde en la vida se mudó a la ciudad comparablemente grande de Dhaka. Obtuvo su diploma en fotografía de Pathshala, una experiencia que le cambió la vida, lo que lo hizo consciente de sus historias, le dio una voz fotográfica para fotografiar historias como: la industria moribunda y los trabajadores afectados de yute y té, excluyeron a las personas e interrumpieron las tierras debido al cambio ambiental y al agua salada, y la ciudad tan cerca de su corazón: Old Dhaka.
Wasif prefiere fotografiar a las personas que conoce. Por lo tanto, su país, Bangladesh, es su primer y favorito campo de investigación. Nunca le resulta un problema ser tratado como un narrador de una tradición humanista, clásica en su enfoque fotográfico, siempre que muestre compasión y lo emocional que experimenta al fotografiar a sus sujetos. Con una perspectiva de un estilo tradicional, va en contra de los clichés, yendo desde una dirección en la que se permite crecer en diferentes direcciones, como las ramas de un árbol yendo por caminos separados, pero con la misma raíz del enfoque humanista
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La fotografía mas y cruda espontanea de Bruce Golden
La fotografía mas cruda y espontanea de Bruce Golden
La fotografía mas cruda y espontanea de Bruce Golden.Cuando nos preparamos para ser fotografiados, adoptamos posturas fingidas, queremos que el mejor ángulo, la mejor sonrisa; queremos hacer creer que ese instante es perfecto. De cierto modo: hacemos fotografías falsas de un momento inexistente.Por otro lado Bruce Gilden siempre se ha sentido muy atraído por el comportamiento de los seres humanos en la sociedad, lo que le llevó a estudiar Sociología en la Universidad Estatal de Pensilvania.
Sin embargo, no fue este motivo el que le hizo salir a la calle para retratar el alma de personas anónimas a través de la fotografía.Además el hecho desencadenante fue la visualización en el año 1968 de «Blow-up», película de Michelangelo Antonioni que está inspirada en la vida del fotógrafo Sergio Larraín.
Por otra parte Gilden captura lo más real de un rostro y de la sociedad mientras deambulan por la ciudad. El fotógrafo neoyorquino probablemente sea un “ladrón” de retratos, puedes ir por New York después de un día de mierda y ser capturado por su cámara y flash, sin previo aviso, capturando hasta tu más profundo sentimiento, ya que todo es en cuestión de segundos, espontáneo y sorpresivo.
“Soy conocido por hacer fotos muy cerca, y cuanto más viejo me hago, más me acerco.”
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Fotógrafa experimental de moda y bellas artes, Elizaveta Porodina.
Fotógrafa experimental de moda y bellas artes, Elizaveta Porodina.
Gran fotógrafa experimental de moda y bellas artes, Elizaveta Porodina viaja a través del tiempo y el espacio,
extrayendo las emociones subyacentes en sus fascinantes producciones. Además la psicóloga clínica estudiada
nacida en Moscú juega con el simbolismo melancólico, establece connotaciones, a veces ambiguas, a veces honestas
y obvias su rango varía ampliamente entre cinemático, moda e imágenes casi documentales.
Ya sea en obras de arte dramáticas en blanco y negro o de colores vivos, el fotógrafo con sede en Munich es un maestro del romanticismo oscuro.
Además mirar a los ojos de alguien es ver el mundo en la mirada de otro, es leer mucho más allá de lo que se dice,
es estar dispuesto a ser recorrido por una oleada de sentimientos parecidos a los que nos provocan los retratos de la fotógrafa Elizaveta Porodina.
Más sin embargo esta artista rusa, además de fotógrafa, es psicóloga clínica y, esas dos vertientes
de su personalidad las traslada a una obra en la que mezcla su pasión por la estética con temas surrealistas o el uso del simbolismo.
Por otra parte la fotografía se interpuso en su camino cuando sintió la necesidad de encontrar una válvula de escape
a la psicología o, de aplicarla e interpretarla a través del arte. Porodina descubrió que la fotografía de moda podía ser
una herramienta más para interpretar sus diferentes influencias de una manera distinta, a través de la combinación de emociones o
sentimientos con las teorías psicológica.
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El surrealismo minimalista de la fotógrafa May Parlar
El surrealismo minimalista de la fotógrafa May Parlar
May Parlar puntúa los paisajes abiertos con elementos coloridos como masas de globos y accesorios separados
de los usuarios humanos. No obstante Parlar le dice a Colossal que su trabajo reflexiona sobre temas de pertenencia y alienación,
y busca explorar la condición humana a través de una perspectiva feminista y es ahi donde inicia
El surrealismo minimalista de May Parlar.
Por otra parte el trabajo artístico y fotográfico de May Parlar parece construirse con la materia de esos momentos oníricos
que no entendemos pero que nos hipnotizan y nos hacen volar alto, a lugares que solo podemos imaginar dormidos.
Además la artista se sintió atraída por la fotografía y el cine durante su estancia de estudios en Reino Unido, y es evidente
la influencia cinematográfica en estas capturas que bien podrían ser fotogramas de una película de Michel Gondry o Spike Jonze.
Una poesía llena de sentimientos, de personas que esconden sus rostros, de sombreros que cobran
vida o globos de colores llenos del aire que insuflan nuestras fantasías y nuestros sueños más extravagantes.
Además ella crea imágenes performativas que exploran la condición humana y la experiencia
nómada de ser en realidades construidas. La idea del yo, el tiempo y la memoria, las nociones de pertenencia y alienación.
Son temas recurrentes en su práctica.
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Pasado en paralelo del fotógrafo Sebastian Maharg
Pasado en paralelo en la fotografía de Sebastian Maharg
Poder ver cada una de éstas imágenes y poder recordar el pasado donde todo era tan distinto hace unos años,
lleno de guerra y crisis, es una experiencia interesante. El contrapunto de estos montajes, de un pasado en paralelo con la actualidad,
sirve para recordar los mismos lugares donde ahora paseamos, vamos de compras, salimos etc.
fueron también momentos de momentos durísimos hace no tanto tiempo. En un Pasado en paralelo en la fotografía.
Han pasado ya 80 años de aquella España en blanco y negro pero las heridas todavía supuran interrogantes y mucho dolor.
Éste proyecto tuvo inicio a finales de 2015 El País y Yorokobu publicaron artículos sobre los montajes que hizo
fusionando imágenes de Google Street View con fotografías de la Guerra civil española.
Al ver el interés que generó y estar ahora en pleno 80 aniversario de la guerra , decidí ampliar el proyecto,
pero esta vez con fotos propias. Tras visitar los archivos de la Guerra Civil en Salamanca,
La Biblioteca Nacional y el ‘Archivo Rojo’ en Madrid, organizar con el proyecto. En muchos casos, los lugares de las fotos
no están indicadas y fue una bonita experiencia rastrear muchas zonas de Madrid hasta los lugares originales.
El comenta que este proyecto pretende comprender la dimensión más humana de los hechos y hacer esto nos hace creer más en lo que nos une que en lo que nos separa.
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