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junio 2020 - Photobooks, Album Digital, álbumes fotograficos, fotolibro, album de fotos, Album personalizado
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La reminiscencia de ser mujer a traves del fotógrafo Csilla Klenyánszki’s
Una búsqueda de equilibrio con una actitud de resolución de problemas caracteriza mi trabajo.
Dentro de mi práctica actual, examino y deconstruyo cuidadosamente los desafíos personales, pero universalmente conocidos, como la paternidad, el género y la maleabilidad de la identidad propia a través del paso del tiempo.
Las obras, como “Pilares del hogar”, “hacer tiempo”, “Casa / espera” o “Residencia de las madres en las artes”
tienen como objetivo dar soluciones que van desde lo práctico hasta lo absurdo.
Aunque mi enfoque es analítico, la naturaleza del trabajo es muy lúdica y experimental.
Para dar una nueva perspectiva, a menudo juego con los límites del sinsentido con una
atracción constante por la tensión física y mental.
En gran parte del trabajo de la artista conceptual Csilla Klenyánszki el enfoque se encuentra en la interacción entre los objetos domésticos, de una manera que considera la funcionalidad y la formación simbólica de la identidad.
En el proyecto en curso ‘La reminiscencia de ser mujer’, Klenyánszki continúa su
diálogo habitual entre los arreglos conceptuales de escultura y la fotografía para capturar momentos
efímeros: su trabajo a menudo es reconocible como una serie de actos de equilibrio y contorsiones de forma.
Al involucrar a su cuerpo en el marco, la serie se convierte en una exploración de su propia identidad, ya que actúa en medio de objetos y muebles domésticos.
Klenyánszki evita la inclusión de su rostro, lo que permite un estudio más ambiguo de su objetivación,
extendiendo el proyecto más allá del esfuerzo y la importancia personal. En esta colección de imágenes,
el artista considera los límites entre la identidad y la funcionalidad del cuerpo de una mujer.
La fugacidad poética de una Habitación
de huéspedes por Ana Santl
Entramos en el espacio y luego nos vamos, interactuamos con caras que apenas conocemos
y tocamos objetos que solo son temporalmente nuestros. Si todas las experiencias son transitorias,
¿cómo debemos procesarlas y qué significa su significado?
Más sin embargo Guest Room’ busca la relación efímera entre humanos, espacio, textura y forma; explorando conceptualmente nuestra experiencia de espacios físicos.
La serie es una colaboración entre la estilista Priszcilla Varga,la fotógrafa eslovena Ana Santl y la modelo Paprika Mahlobo , filmada en The Audoen Copenhague y publicado exclusivamente en ignant.
En ‘Guest Room’, los tiernos retratos representan la conexión visceral e íntima entre el modelo y el lugar,
así como la paradoja de una experiencia impermanente en un espacio estático.
“La conexión hace que la estadía temporal sea un recuerdo permanente, como una imagen fija recortada de una película o la cara de un extraño que no podemos olvidar”, explica Santl a IGNANT del concepto.
Trabajando con una paleta de colores apagados de beiges, cremas, grises y marrones, el editorial fue diseñado
para invitar a la introspección en el espectador e inculcar una sutil sensación de romance mientras nos lleva a un recuerdo lejano de la intimidad.
Vulnerabilidad y franqueza en la fotografía
de Anton Belovodchenko
Anton Belovodchenko es un fotógrafo ruso que rinde homenaje a la belleza femenina y
redescubre la maravilla del cuerpo humano. De inmediato viene a la mente la cultura griega y su culto por la figura humana.
En ese caso, la exaltación era ás más de las veces del cuerpo masculino. Se crearon obras de arte, en la opinión de muchos,
insuperables. Se cultivó un apasionado culto al cuerpo, a las figuras atléticas y con una estética digna de dioses.
En esa línea de trabajo, que ve al cuerpo humano como la expresión más acabada de la armonía y la belleza, se materializan las fotografías del ruso Anton Belovodchenko. A través de su lente, capta el infinito número de peculiaridades que hacen de un ser humano algo único y excepcional. Observamos composiciones inimaginables en las fotos de Belovodchenko. A través del manejo de la luz, se consigue un cautivador juego entre rectitud y curvaturas.
El autor ya había experimentado con fotografía de paisajes naturales y otro tipo de escenas, pero recibe más aplausos por esta entrega. Aborda la técnica del “bodyscape” o “paisajes corporales”, jugando con la anatomía muscular y ósea de la mujer. Su trabajo es una fusión de belleza y lo natural, vulnerabilidad y franqueza, estética y pasión.
Nacido en Semarang, Java Central, Indonesia, el fotógrafo de bellas artes Hengki Koentjoro es mejor conocido
por su impresionante fotografía de paisajes de Indonesia en medio de los tonos de blanco y negro, creando así la fotografía atmosférica perfecta.
A través de su trabajo, Koentjoro discute su verdadero propósito en el viaje de expresión de la vida,
explorando a lo largo de los límites de la luz y la sombra, como el yin y el yang. Además su enfoque se centra
en la complejidad en lo minimalista, sumergiéndose en lo espiritual y lo físico.
Más sin embargro Koentjoro ejerce Miksang, una forma especial de fotografía en la que el artista usa la cámara para expresar
sus percepciones visuales exactamente como las experimenta. Traducido del tibetano, Miksang significa “buen ojo”,
pidiendo al espectador que vea el mundo de una manera nueva, sin superposiciones de significado y valor, placer, disgusto o desinterés.
Por otra parte la fotografía de Miksang tiende a devolver al observador al estado de contemplación original de la imagen del artista.
Al atraer la atención de nuestra mente, nuestra conciencia, en nuestro sentido de la vista, es posible para nosotros ver visiones vívidas y mentales que detienen total y completamente sin distracción. Si se alcanza este estado, el espectador se conecta con lo que ve profunda e íntimamente.
El fotógrafo con sede en la ciudad de Sao Paulo, Hick Duarte.
Inspirado por las cualidades distintivas de la cultura e identidad juvenil, el fotógrafo con sede en Sao Paulo Hick Duarte ha creado un lenguaje visual único que combina el documental con la fotografía editorial.En términos de etapas de la vida, l a juventud es una de las más cambiantes. Significa un tiempo de conciencia de identidad, cultura, riesgo, diversión y descubrimiento.
Para el fotógrafo Hick Duarte, el concepto de cultura juvenil sirvió como la inspiración principal para crear su estilo visual único. Al adquirir su primera cámara, el interés de Duarte en la fotografía floreció rápidamente cuando comenzó a documentar las fiestas y conciertos de música a los que asistió cuando era adolescente, un punto de entrada que continuaría definiendo su carrera fotográfica.
Después de haber fotografiado para publicaciones como iD , Dazed & Confused , Adidas y más, tanto en 2018 como en 2019, Duarte fue nombrada como parte de la New Wave: Creatives del British Fashion Council, un reconocido premio que celebra a 100 de los jóvenes creativos más innovadores. talentos de todo el mundo.
Al convertirse en un estudiante de comunicación social, la pasión de Duarte por el medio como herramienta de representación continuó expandiéndose a medida que documentaba la diversidad de jóvenes y subculturas de su ciudad natal.
Árbol de la fotógrafa Charlotte revela a Senegal Historias no contada
La fotógrafa con sede en Marsella Charlotte Lapalus visitó los paisajes de Senegal para profundizar en un apasionante editorial que revela el trauma de la mutilación genital femenina con una intimidad incomparable.
Su serie ‘Árbol de la vida’ está impregnada de empatía por las víctimas de esta injusticia y enmarca un país
que está en manos de mujeres fuertes y empoderadas, un desafío en una tierra inundada de una violencia de género persistente.
El Árbol de la fotógrafa Charlotte:
En el punto más occidental de África se encuentra Senegal, un país vibrante donde las ricas tradiciones y la belleza natural se casan con gran efecto. Lejos del bullicio de la capital Dakar, muchos pueblos remotos y gloriosos tramos de río salpican los tranquilos paisajes de la región de Casamance.
Detrás de la quietud de esta vida rural, hay un lado de Senegal a veces oculto a la vista; una realidad oscura donde la historia violenta, la religión y las tradiciones obsoletas se encuentran enredadas. Es aquí donde el fotógrafo francés descubrió una comunidad tenaz de mujeres que la motivó a descubrir las historias y verdades ocultas que rodean gran parte de esta vasta tierra, una que todavía está alineada con las agendas de supremacía y poder.
El cuerpo de trabajo de Lapalus explora temas de adolescencia y empoderamiento femenino. Conocida por su interpretación íntima de las mujeres, sus tonos cálidos están llenos de una sutileza que es indicativa de su estilo distintivo e idílico. Los editoriales de Lapalus siempre están motivados por una mirada humana.
En el centro de su arte radica un profundo interés en humanidad y actos de responsabilidad en nombre de las mujeres. En el centro de su arte se encuentra un profundo interés en la humanidad y los actos de responsabilidad en nombre de las mujeres.
Platon, el fotógrafo de retratos de líderes mundiales y grandes personalidades
El fotógrafo de retratos Entre las lecciones básicas que te pueden dar a la hora de realizar un retrato, una de las más habituales
será que coloques la cámara a la altura de los ojos y utilices una longitud focal larga.
Con ello conseguirás un aspecto más natural de la persona.
Pero, ¿qué sucede cuando el fotógrafo decide saltarse esta regla tan habitual y clásica?.
El resultado se convierte en desconcertante, extraño y curioso. Lo que para muchos pudiera ser un error o
una impericia técnica, otros lo erigen en un sello personal que les identifica y les diferencia como fotógrafos.
Así ocurre con el británico Platon (Platon Antoniou, de origen griego, nacido en 1968), célebre ya gracias a sus
portadas para Time, Wired, The New Yorker y Esquire, entre otras.
Platon coloca la cámara muy abajo, donde nadie se había atrevido a llegar para retratar a grandes líderes
y personalidades mundiales, desde una distancia próxima, sirviéndose para ello de un objetivo gran angular,
con la consiguiente distorsión de las extremidades.
De esta manera ha realizado alguno de sus retratos más conocidos, como el del presidente ruso,
Vladimir Putin, portada de la revista Time, y que le valió un premio World Press Photo en 2008.
Es evidente que un estilo tan radical no a va despertar un aplauso unánime, pero es atrevido, original dentro de lo que podríamos englobar como retrato editorial, y el impacto, importante para distinguir una portada del resto, está garantizado.
Nació en Londres en 1968. Fue criado en Grecia por su madre inglesa y su padre griego. Acudió a la St. Martin’s School of Art y al Royal College of Art, donde uno de sus profesores y mentores fue el fotógrafo John Hinde.
A pesar de haber publicado en Vanity Fair, Esquire, GQ, el Sunday Times Magazine, a Platon lo une 20 portadas con la revista Time. En 2007, por ejemplo, el retrato al primer ministro ruso Vladimir Putin que ocupó la portada de la revista le valió el primer premio en el concurso World Press Photo.
Luego de esa experiencia, decidió emprender un proyecto que consistía en retratar a la mayoría de presidentes, sin importar su filiación política, ideológica o religiosa.
Según declaró a EFE, gracias a este proyecto tuvo oportunidad de “establecer diferencias entre los líderes, quienes se encontraban más desconfiados ante la cámara y las lideresas, como la expresidenta chilena (ahora reelecta) Michelle Bachelet, con más soltura y seguridad al momento de posar”.
“Cada lágrima enseña a los mortales una verdad”, decía el filósofo griego. Y cada imagen bien realizada, perpetrada en el momento exacto y capturada con la sensibilidad que debe caracterizar a un buen fotógrafo, también. Así lo demuestra el Platón británico.
Autoretratos conceptuales de la fotógrafa Fares Micuele, le encanta observar y usar su propia percepción del mundo para crear historias basadas en sentimientos naturales humanos como miedo, amor, deseo, desesperación y superación. Además utiliza una estética simple y clara con accesorios muy específicos como globos y flores elementos botánicos, color saturado lleno de simbolismo y evitando fondos ocupados.
Más sin embargo comenzó a practicar fotografía como hobbie en el año 2009, estudiando y practicando de forma autodidacta; desde entonces su amor por esta disciplina no hizo más que crecer, convirtiéndose finalmente en su mayor pasión y convirtiéndose en una excelente fotógrafa con marcada personalidad.
Por otra parte sus imágenes se caracterizan por un fuerte contenido conceptual, simbología y el uso de colores muy saturados como medio para expresar sus ideas, además muchas de sus imágenes hablan de amor, superación o amor propio dando rienda suelta a su mundo interior. Para Fares Micue la estética y armonía visual son parte esencial de su trabajo.
Además Fares Micue es la fotógrafa invitada en el mes de junio en Callao City Arts, el proyecto pionero en Europa desarrollado por Cultura Inquieta y junto a Callao City Lights en el corazón de Madrid, en la emblemática Plaza de Callao. Más sin embargo durante todo el mes de junio, exhibiremos en las pantallas exteriores LED gigantes de los Cines Callao una selección de sus auto-retratos, junto a una selección de piezas del vídeo artista italiano Lucas Zanotto.
Fares Micue nos dice sobre su trabajo:
“Como fotografa de autorretratos utilizo la observación de mi entorno, las interacciones humanas y mis propios sentimientos para crear bellas imágenes conceptuales. Mi trabajo está lleno de simbolismo, cada elemento de mis composiciones tiene un propósito, desde los colores hasta los accesorios y el lenguaje corporal, y la combinación de todos estos elementos crea la imagen conceptual final. Soy una persona muy positiva y esta positividad a menudo se refleja en mi trabajo, entregando imágenes con un fuerte mensaje sobre crecimiento personal, reflexión, autoestima y superación de obstáculos.
Mis imágenes se caracterizan por fondos simples, colores saturados y una fuerte carga conceptual con un encanto altamente estético. Quiero que mi trabajo sea visto como toda una historia condensada en una imagen.” La fotógrafa comparte con Colossal que es autodidacta y comenzó a explorar el medio como un pasatiempo en 2009. Micue llegó a amar el proceso de crear y criticar cada imagen como un trabajo conceptual. Al perseguir su trabajo más en serio, explica la artista, espera cultivar una variedad de respuestas emocionales en los espectadores, similar a cómo se siente al conceptualizar sus fotografías.