Artista, fotógrafa, escultora y directora de arte Joanne Leah
Artista, fotógrafa, escultora y directora de arte, s u tema es la escultura que se puede llevar a cabo y las modelos a menudo sostienen poses extrañas en materiales poco convencionales que obligan al espectador a echar un segundo vistazo. Al explorar la relación física de los humanos con los objetos ordinarios, Leah ha creado un cuerpo de trabajo que es incómodo y hermoso; un lugar que celebra el humor, la sexualidad y la autoexpresión a partes iguales. Ella mira hacia adelante y amplía los límites de su trabajo dentro de los medios del cine y las instalaciones.
La artista Joanne Leah, con sede en Brooklyn, crea imágenes basadas en fotografías que examinan la relación entre la forma humana y los objetos, materiales y sustancias convencionales creando así un increíble álbum fotográfico .
Las fotografías de Leah retratan partes de los cuerpos humanos dispuestas como elementos de diseño que se yuxtaponen con accesorios ordinarios pero muy escenificados. Utilizando diferentes paletas de colores, como el amarillo, el verde, el rojo o el violeta, la artista construye una narrativa que lleva al espectador a un misterioso viaje a través de su surrealista mundo intelectual. El contenido de su imagen está inspirado en sus propios recuerdos de la infancia, explorando temas de aislamiento, desapego e identidad. El trabajo de Leah se basa en experiencias con el LSD que asumió en raves techno y visitas a misa católica los domingos cuando todavía estaba alucinando. Al poner en escena partes del cuerpo como elementos de diseño, sepulta a sus sujetos en materiales y sustancias misteriosos, transformándolos en algo más allá de lo humano.
Balance de blancos en fotografía, equilibrio de imagen.
El balance de blancos (White balance o WB) es la forma que tenemos de equilibrar una imagen en cuanto a la dominante de color. Lo ideal es que esta dominante sea neutra,
es decir, blanca, lo que en la vida real equivale aproximadamente a la luz de las horas centrales del día o a la luz del flash, que también se considera neutra.
Cada tipo de luz y cada momento del día, aunque no siempre sea evidente a primera vista, tiene una dominante de color, lo que también conocemos como temperatura de color. La temperatura de color
se mide en grados kelvin, y se clasifican en temperaturas más cálidas (atardeceres, por ejemplo), temperaturas más frías (días nublados) o neutras (ya hemos comentado que son las horas intermedias del día).
si tienes una escena demasiado cálida, habrá que añadirle un poco de frío y, si en cambio, tienes una imagen demasiado fría, deberás añadirle algo de calor. Así de sencillo. Y esto es lo que hace el balance de blancos automático de tu cámara.
Ahora me preguntarás «¿Y cómo sé qué tono va a ser predominante para poderlo corregir?» La respuesta es fácil: Puedes dejar que la propia cámara se encargue de detectar que un cierto color está dominando la foto excesivamente y que ella misma se encargue de contraatacarlo. Si quieres que la cámara gestione esta tarea por ti, entra en el ajuste de Balance de Blancos y elige la opción de «Balance de Blancos Automático» (también conocido como «AWB»).
Como las máquinas no son perfectas, a veces la cámara no es capaz de detectar un cierto exceso de tonos y, por consiguiente, no lo puede corregir. Ahí entras tú (eres el fotógrafo ¿lo olvidabas?) Básicamente vas a hacer lo siguiente: vas a disparar un foto de prueba y la vas a mirar detenidamente, si la encuentras correcta y neutra genial, pero si ves un cierto exceso hacia un lado en tonos azules o hacia el otro en tonos rojos, tendrás que seleccionar manualmente uno de los distintos modos semiautomáticos de Balances de Blancos que tu cámara pone a tu disposición. A continuación, te adjunto un pequeño gráfico en el que te explico qué Balance de Blancos escoger en función del tono excesivo que quieras remediar:
uto (A): La cámara ajusta automáticamente el balance de blancos según la luz ambiental y el uso del flash (si lo hubiera). Más abajo te cuento cuándo utilizar el modo automático pero siempre que fotografíes en formato RAW, úsalo sin miedo. En este caso tenemos AWB que es automático con prioridad a la luz ambiente, y AWBW que es prioridad al blanco y reduce el matiz cálido de una luz ambiente). Pero en la mayoría de las cámaras estará AWB solamente.
Luz de día (sol): Útil al fotografiar en exteriores con el sol brillando.
Sombra (casa con sombra): Es algo más cálido que el nublado, agregando colores naranjas a la fotografía. Adecuado para atardeceres y amaneceres y zonas en sombra.
Nublado (nube): Aconsejable en días nublados o en sombras. Produce imágenes algo más cálidas que la luz del sol.
Incandescente o tungsteno (bombilla): Úsala únicamente con luz de bombillas de tungsteno o la imagen se verá muy azul.
Fluorescente (tubo incandescente): Actívalo si las fotos se ven demasiado verdes o cuando estés bajo luces fluorescentes (las típicas de oficinas).
Flash (rayo): Se utiliza cuando se usa el flash de la cámara.
Preestablecido o personalizado (PRE) o el último icono de la imagen de arriba: Se ajusta para una iluminación concreta, se suele usar una tarjeta o carta de grises. Pero también puedes usar un folio blanco.
Algunas cámaras cuentan con la opción Elegir temperatura de color (K), que permite cambiar manualmente el valor Kelvin (normalmente de 2500 a 10000).
Aunque si quieres profundizar un poco y que te presente al amigo Kelvin que aparece en la tabla de arriba, aquí tienes el listado de las luces más habituales con sus respectivas temperaturas de color. Los valores más bajos (por ejemplo, 1700) se corresponden a las luces más cálidas, y los valores más altos a las más frías. La K es de Kelvin, sí ?
1700 K: Luz de una cerilla
1850 K: Luz de vela
2700–3300 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica convencional)
3000 K: tungsteno (con lámpara halógena)
4000–4500 K: Lámpara de vapor de mercurio
5000 K: Luz Fluorescente (aproximado)
5500–6000 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado)
5780 K: Temperatura de color de la luz del sol pura
Fotógrafo crea su propia baraja del tarot a través de sus sueños
Fotógrafo crea su propia baraja del tarot a través de sus sueños. Nicolas Bruno le fascinan las cartas de tarot. Tras justar con esta enigmática baraja cuando era pequeño,
el tarot siguió llamándole la atención por muchos años. Ahora, la serie fotográfica más reciente de Bruno, The Somnia Tarot (“El tarot somnio”), reinterpreta las 78 cartas de la
baraja y replantea los símbolos detrás los hipnóticas imágenes, que a menudo se utilizan para predecir el futuro.
Bruno comenzó este proyecto de fotografiar inspirado en las cartas del tarot con base en su portafolio de imágenes surrealistas. Su trabajo previo ha abordado su experiencia con la
parálisis del sueño así como diarios de sueños con los que ha desarrollado un lenguaje visual para detallar su complicada relación con la hora de dormir. Este enfoque conceptual le ayudó a
que el proceso de recrear la clásica baraja Rider Waite fuera más fácil. “Debido a que mi serie Sleep Paralysis y el tarot clásico tratan sobre el subconsciente y la consciencia”, le cuenta a My Modern Met,
“crear paralelos fluidos entre ambos cuerpos de trabajo fue el proceso perfecto”.
En una entrevista que le realizaron comentó lo siguiente:
Cuando era niño, a menudo visitaba la casa de mi abuela y jugaba con todos sus modelos de trenes antiguos en su sótano. El sótano tenía una sala de almacenamiento y encontré la baraja de tarot de mi bisabuela.
Siempre disfrutaba mirar las cartas hasta que un día mi abuela me atrapó con ellas y las escondió en lo alto de un estante.
Esa fue mi primera interacción con las cartas del tarot, y ese recuerdo de las cartas misteriosas se me quedó grabado hasta el día de hoy. Durante la escuela secundaria y la universidad, volví a exponerme
al tarot a través de mis amigos. Me encantó el estilo de las imágenes que retrataba. A menudo había pensado en recrear una o dos cartas a mi propio estilo, pero no fue hasta el confinamiento que vi una gran
oportunidad para crear la serie completa.
By1: Regina Sienra.
Retrato de Sean Mundy La fotografía tuerce la realidad
El fotógrafo Sean Mundy, de 22 años, crea imágenes simplistas, pero ricas en significado. Mundy quiere que la gente vea un significado en sus imágenes donde él nunca tuvo la intención de que tuviera significado. Se inspira en fuentes simples, un solo sentimiento, momentos de la vida o la naturaleza.
Sean Mundy (nacido en 1991, Montreal, Canadá) crea imágenes conceptuales a través de la fotografía y la manipulación digital.
Trabajando a través de la duda y las cuestiones de identidad, Sean construye escenas de tensión e incertidumbre palpables. Con un enfoque sutil y mínimo, su objetivo es romper la fórmula narrativa clásica para formar escenarios que dependen de asociaciones subjetivas. Con sus imágenes meticulosamente construidas y manipuladas digitalmente, combina vocabulario visual de la iconografía, el simbolismo y lo surrealista para investigar temas de división y conflicto de diversas maneras. Usando la forma humana como sustituto de la emoción, la psicología y la fisicalidad, los sujetos específicos se someten a los conflictos que surgen en las obras.
Las extrañas capturas en blanco y negro que realiza Trent Mitchell
Las extrañas capturas en blanco y negro Hay un mundo paralelo al nuestro, un universo justo debajo de nosotros en el que
a vida es totalmente diferente y todo se mueve a otro ritmo; tiene otra aparienciala, la luz se percibe de manera suave y difuminada y
los cuerpos flotan desprovistos de la tecnicidad y la secuencia de sus movimientos; bajo el mar todo tiene una belleza inusitada.
Además se realizan el australiano Trent Mitchell, están protagonizadas por personas que practican bodysurfing, el maravilloso arte de coger olas con el propio cuerpo, y bien podrían ser portadas de discos de electrónica o de bandas post punk.
Estos retratos son de una extravagante hermosura en la que conviven lo abstracto, lo extraño, lo deforme, lo grotesco y toda esa amalgama de posibilidades que da la fotografía subacuática. Esta fantástica serie de tonalidades grises, burbujas, luminosidad oceánica y expresiones faciales de estilo cubista se titula Inner Atlas.
El fotógrafo dice que la serie celebra el espíritu humano a través de los movimientos del mar en un espacio desconocido y olvidado. Además reconoce sentir curiosidad por estos deportistas y quería descubrir qué lleva a la gente a practicar este arte primitivo.
¿Cómo se siente fluir a la velocidad perfecta, sumergido dentro de la fluidez del mar? ¿Qué se revela cuando el espíritu de uno se expande en el espacio que lo rodea? son algunas de las preguntas que Trent trata de responder con este trabajo en el que parece sentirse como pez en el agua.
Un viaje al mundo de ensueño de la fotógrafa brasileña Nádia Maria
Nadia María es la artífice de estas fotografías que pendulan entre la oscuridad, el dolor emocional,
el despertar a la vida y la transformación contínua. N acida en 1984, es una fotógrafa brasileña Nádia María que comenzó a fotografiar de niña tomando fotos de sus muñecas.
sus fotografías provienen de sus propias reflexiones y se convirtieron en un diario personal de sus pensamientos y emociones más íntimos, una ventana a su subconsciente, dejando que sus inspiraciones la encuentren y profundizando en las profundidades de la psique humana.
Con sus obras etéreas, explora las complejidades de la mente subconsciente con composiciones que despiertan a sus espectadores en “canciones, rimas y versos” para poner en marcha la catarsis.
Las imágenes de Nádia Maria transmiten una plétora de emociones con cualidades oníricas y nos hacen sentir como si estuviéramos flotando dentro y fuera de la conciencia. Atribuye su inspiración fotográfica a la poesía, y la fotografía es su escritura, sus poemas, sus sentimientos íntimos .., la oscuridad y la luz de su vida.
Autorretratos surrealista de jee Young lee sin manipulación digital
Crea escenas muy elaboradas que requieren una increíble cantidad de paciencia y absolutamente sin manipulación digital Durante semanas y, a veces, meses, JeeYoung Lee trabaja en su pequeño estudio de 360 ??x 410 x 240 cm dando vida a mundos que desafían toda la lógica. Además en medio de los decorados siempre se puede encontrar a la propia artista, ya que sus obras poco convencional siempre son también autorretratos . Más sin embargo Inspirándose en su vida personal o en las antiguas fábulas coreanas, cada uno tiene su propia historia de fondo, que solo intensifica el drama
por otra parte en su afán por exteriorizar sus sueños y representar cuentos tradicionales de Corea, Lee planea, desarrolla y construye las instalaciones, en ocasiones por semanas o meses dentro de su pequeño gran estudio. Dentro de sus series, Stage of Mind fue expuesta en Francia. Además Lee sustituyó las horas frente al ordenador, por horas extras en la construcción para cada una de las instalaciones, desde colgar los pétalos para su fotografía LoveSeek, hasta el esténcil para crear patrones en el piso de la pieza Last Supper.
La artista trabaja con objetos suspendidos y otras piezas hechas a mano, creando artesanalmente todos los efectos de iluminación y rechazando cualquier manipulación digital posterior. Su intención es proyectar en la vida sus mundos imaginarios, pero de forma palpable y no de forma virtual.
Lo más admirable de su obra es que convierte la fantasía en realidad. Cada una de sus imágenes ha existido realmente en su estudio y se ha captado directamente por la cámara, sin trampa ni cartón. Además, Jee Young siempre es la protagonista de sus fotografías surrealistas , inmersa en su mundo imaginario y viviendo en primera persona la realidad de su creación.
El fotógrafo autodidacta en el mundo surrealista de Brian Oldham
El fotógrafo autodidacta Brian Oldham creció como hijo único en un área suburbana de Orange, EE. UU., Desarrollando una imaginación próspera, jugando juegos de ficción y cuentos de hadas. Además su fotografía refleja su poderosa imaginación y su talento para crear escenas elaboradas y surrealistas.
Más sin embargo Brian Oldham es un fotógrafo de bellas artes que trabaja y vive en Los Ángeles, EE.UU.
Por otra parte sus fotografías son como entrar en el paisaje de ensueño. Aun siendo muy joven, Oldham ha creado su propio estilo, surrealista, colocando sus modelos en situaciones inesperadas y desconocidas: Cayendo del cielo, siendo alzados desde el mar por un anzuelo, o subiendo una escalera hacia ninguna parte.
Además Afirma: “Me encantan las fotos que tienen una calidad surrealista o fantástica, especialmente en situaciones en la foto parece tan realista que es difícil creer que la escena está realmente ocurriendo, incluso si fue creada con la ayuda de Photoshop.
por otra parte Supongo que es solo que me esfuerzo por recrear en mis propias imágenes
conceptuales, una especie de ‘realismo mágico’ “.
Más sin embargo Ha expuesto en las exposiciones en grupo A Temperamental View en The Invisible Line Gallery de Londres en 2013, Sweatshop también en Londres, 25 Under 25, The Emerging Photographer en The Galleries de Cleveland, Ohio, Flickr’s 20 Under 20 en Milk Studios de Nueva York; estas tres últimas en 2014.
Autoretratos conceptuales de la fotógrafa Fares Micuele, le encanta observar y usar su propia percepción del mundo para crear historias basadas en sentimientos naturales humanos como miedo, amor, deseo, desesperación y superación. Además utiliza una estética simple y clara con accesorios muy específicos como globos y flores elementos botánicos, color saturado lleno de simbolismo y evitando fondos ocupados.
Más sin embargo comenzó a practicar fotografía como hobbie en el año 2009, estudiando y practicando de forma autodidacta; desde entonces su amor por esta disciplina no hizo más que crecer, convirtiéndose finalmente en su mayor pasión y convirtiéndose en una excelente fotógrafa con marcada personalidad.
Por otra parte sus imágenes se caracterizan por un fuerte contenido conceptual, simbología y el uso de colores muy saturados como medio para expresar sus ideas, además muchas de sus imágenes hablan de amor, superación o amor propio dando rienda suelta a su mundo interior. Para Fares Micue la estética y armonía visual son parte esencial de su trabajo.
Además Fares Micue es la fotógrafa invitada en el mes de junio en Callao City Arts, el proyecto pionero en Europa desarrollado por Cultura Inquieta y junto a Callao City Lights en el corazón de Madrid, en la emblemática Plaza de Callao. Más sin embargo durante todo el mes de junio, exhibiremos en las pantallas exteriores LED gigantes de los Cines Callao una selección de sus auto-retratos, junto a una selección de piezas del vídeo artista italiano Lucas Zanotto.
Fares Micue nos dice sobre su trabajo:
“Como fotografa de autorretratos utilizo la observación de mi entorno, las interacciones humanas y mis propios sentimientos para crear bellas imágenes conceptuales. Mi trabajo está lleno de simbolismo, cada elemento de mis composiciones tiene un propósito, desde los colores hasta los accesorios y el lenguaje corporal, y la combinación de todos estos elementos crea la imagen conceptual final. Soy una persona muy positiva y esta positividad a menudo se refleja en mi trabajo, entregando imágenes con un fuerte mensaje sobre crecimiento personal, reflexión, autoestima y superación de obstáculos.
Mis imágenes se caracterizan por fondos simples, colores saturados y una fuerte carga conceptual con un encanto altamente estético. Quiero que mi trabajo sea visto como toda una historia condensada en una imagen.” La fotógrafa comparte con Colossal que es autodidacta y comenzó a explorar el medio como un pasatiempo en 2009. Micue llegó a amar el proceso de crear y criticar cada imagen como un trabajo conceptual. Al perseguir su trabajo más en serio, explica la artista, espera cultivar una variedad de respuestas emocionales en los espectadores, similar a cómo se siente al conceptualizar sus fotografías.
